lauantai 26. helmikuuta 2011

Kulttuuripolitiikka: Persut taistelevat suomalaisuuden puolesta postmodernismia vastaan

Olin yllättynyt Perussuomalaisten vaaliohjelman kulttuuripoliittisesta ohjelmasta. Puolueiden kulttuuripoliittiset ohjelmathan kuuluvat kultaiselle 1970-luvulle, jolloin kaikki oli politiikkaa. Silloin kaikki tiesivät varmasti mitä puoluetta toiset edustivat, tavallisesti paremmin kuin ne toiset itse.

Viime vuosikymmeninä poliittiset puolueet Suomessakin ovat tyytyneet hiljaisempaan meuhkaamiseen kulttuurissa. On otettu opiksi periamerikkalaisesta,
neoliberalistisesta ja minimalistisesta ajatuksesta: mitä vähemmän politiikkaa on kulttuurissa, sen parempaa on kulttuuripolitiikka.

Toistellessaan itsenäisyyttä, omaleimaisuutta ja identiteettiä Perussuomalaiset toteavat kulttuuriohjelmassaan, että ”Kulttuuristamme on huolehdittava poliittisin keinoin”.

Mielestäni kulttuuripolitiikka on tärkeä asia, mutta kulttuuria pitää myös suojella politiikalta. Emme tarvitse enää kulttuurin eri aloja pompottavia enemmän tai vähemmän amatöörimäisiä presidenttejä, kansanedustajia tai kulttuuriministereitä, ne ovat toivottavasti ohitettua aikaa.

Kulttuurin suojelemiseksi lyhytnäköiseltä politiikalta on vanha keino,
säätiöt. Esimerkiksi Valtion taidemuseota on esitetty säätiöperusteiseksi ja eräs syy lienee monenlainen pikkupolitikointi, joka on vähitellen leikannut laitoksen talouden rapakuntoon. On myönnettävä, että niin sanottu parlamentaarinen demokratia ei pysty kehittämään museolaitosta pikäjännitteisesti. Politiikka kun on yhä enemmän pätkänäköistä, mutta kulttuuri ei tule toimeen ilman pitkiä prospekteja.

En ole myöskään kulttuurisäätiöiden innokas puolestapuhuja. Ne näyttävät mahdollistavan kaikenlaisen kähminnän ja huononkin asioiden hoidon, kuten osoittaa muutama vuosi sitten
pahasti karille ajanut Näyttelyvaihtokeskus Frame.

Paluu yhteen kulttuuriin 

Perussuomalaisten kulttuuripoliittinen ohjelma on manifestinomainen julistus siihen suuntaan, mitä oikeistopopulismilta voi odottaakin. Suomalaisuuden ja identiteetin käsitteitä toistetaan siinä niin usein, että terve lukija alkaa epäillä, onko omintakeiseksi ja ainutlaatuikseksi mainostetussa suomalaisuudessa sittenkään niin paljon ylistämisen aihetta.

Olen samaa mieltä Persujen kanssa siitä, että suomalaisuuden merkitys ja arvo ei ole vähentynyt globalissa maailmassa. Mutta olen myös sitä mieltä, että kaikista lisääntyneen kansainvälisyyden välineistä ja vaihdoista huolimatta Suomen ongelma on se, että olemme kaukana Euroopasta ja yhä tarvitsemme kansainvälisyyttä. Jos Persujen ohjelman mukaan jäämme vain toistamaan itsellemme ja muille suomalaisuuden erinomaisuutta, ajaudumme nopeasti kulttuuriseen Suomi-umpioon.

Perussuomalaiset toteavat, että
monikulttuurisuudella ei voi korvata kansallista identiteettiä, eivätkä he aseta näitä toistensa vastakohdiksi. Siihen voisi todeta, että kaikissa länsimaissa kulttuurin dynamisuutta on viime vuosikymmeninä lisännyt monikulttuurisuus, etnisten ja sukupuolisten vähemmistöjen vuorovaikutus valtakulttuureiden kanssa. Sellaista kulttuuria tarvitaan Suomessakin.

Tässä kulttuurijulistuksessa minua vaivaa se, että
kulttuuri-sanaa käytetään siinä yksiköllisessa mielessä. Eihän ole olemassakaan mitään yhtä suomalaista kulttuuria, on vain kulttuureita. On kyseenlaista edes pyrkiä yhteen kulttuuriin. 

Postmodernismi hyvä vihollinen 

Persujen kulttuuriohjelmassa on muutamia konkreettisia ideologisia vaatimuksia:
Historiantunneilla on korostettava suomalaista ihmettä, kuinka köyhästä ja syrjäisestä maasta nousi koko maailman tunnustama edistyksen ja vaurauden kansakunta – vieläpä ilman suuria luonnonrikkauksia. On myös tuotava esiin, kuinka tärkeää itsenäisyys on ollut suomalaiselle menestystarinalle, ja kuinka se onnistuttiin säilyttämään sodissa, joista selviytyminen oli sekin jo yksistään ihmeellistä. Ilman itsenäisyyttä kansakunta ei saa itse pitää oman työnsä tuloksia. Ilman itsenäisyyttä kulttuurin, yhteiskunnan, omaleimaisen sivistyksen kuin materiaalisen hyvinvoinnin kehittäminen on muissa kuin omissa käsissä.”
Tämä on tyypillistä uusnationalismia, jota on paljon esimerkiksi Venäjällä. Teksti kertoo siitä, että Perussuomalaiset pyrkivät totalitarismiin.

Persut diggaavat ”
Edelfeltin ja Gallen-Kallelan upeita maalauksia sekä Sibeliuksen maailmankuuluja sinfonioita”. Heidän mielestään niiden merkitys osana jokaisen suomalaisen yleissivistystä on vähentynyt. Onko vähentymistä se, että Edelfeltin näyttelyä 2004 kävi katsomassa Ateneumissa yli 300 000 katsojaa, eivätkä Akselin ja Jannen teoksetkaan ihan tuntemattomia ole?

Jos Persut pääsevät toteuttamaan kulttuuripolitiikkaansa, koittaa Suomessa
postmodernismin kuolema. He uhoavat kokevansa, että ensisijaista on suomalaisen kulttuuriperinnön säilyttäminen ”postmodernin nykytaiteen tukemiseen verrattuna”. Valtion kulttuurirahoja siis ajatellaan käytettävksi ideologisiin tarkoituksiin, vahvistamaan ”suomalaista identiteettiä”. Hirttonarun jatkeeksi ripustetaan ”tekotaiteelliset postmodernit kokeilut”, jotka olisi Persujen mielestä ylimielisesti syytä jättää ”taloudellisesti yksittäisten henkilöiden ja markkinoiden vastuulle”.

Totalitaristisille pyrkimyksille on aina ollut ominaista hyvän vihollisen löytäminen myös kulttuurista. Saksan fasisteille se oli ”
rappiotaide” ja Neuvostoliiton kommunisteille se oli ”formalismi” ja ”abstrakti taide”. Perussuomalaisten kulttuuripolitiikassa ei ole siinä mielessä mitään uutta. Se haluaa ohjata Suomea autoritaarisempien maiden suuntaan.

keskiviikko 16. helmikuuta 2011

Onko tämä tulevaisuuden taidekritiikkiä?



Adrian Searle
on Guardianin taidekriitikko. Hän esittelee tässä yhden teoksen, joka on esillä joka viides vuosi järjestettävässä brittitaiteen katsauksessa, British Art Showssa, joka on esillä Lontoon Hayward Galleryssa. Teos on Matthew Darbyshiren installaatio An Exhibition for Modern Living.

Kehottaisin katsomaan tämän videon tietokoneesi koko ruututilaa käyttäen. En puutu tässä itse teokseen, vaan Searlen videoon, joka on mielestäni eräs nykyaikaisen taidekritiikin mestariteoksia.

Video on tehty huolella, mutta myös nopeasti, sillä näyttely avattiin vasta muutama päivä sitten. Sen toinen tekijä Shehani Fernando ansaitsee yhtä suuret ylistykset. Kuvaus on moitteetonta, kuten nauhan editointi. Huomaa, että mukana on myös taustamusiikkia.

Adrian Searle on tehnyt useita videoita ja äänipodcasteja Guardianiin. Videossa Searlen osuus on merkittävä, hän panee siihen paljon itsestään, kuten on tapana sanoa. Sehän on aina hyvän taidekritiikin ominaisuus. Kriitikko esiintyy videossa omana itsenään, hän ei muutu pelleksi tai temppuilijaksi, kuten suomalaisissa ns. kulttuuriohjelmissa.

Taidekritiikin tilanteesta on keskusteltu viime vuosina, mutta harvemmin on puhuttu siitä, mitä mahdollisuuksia nykyajan mediassa voisi olla, jos lehdet suhtautuisivat myönteisemmin taidekritiikkiin. Ehkä ja toivottavasti tässä on esimerkki siitä, mitä suomalainenkin taidekritiikki voisi olla tulevaisuudessa.

torstai 10. helmikuuta 2011

Kuvataiteen pikaviestit



Tämä  Sándor Vályn maalaus kosketti minua galleriakierroksella.

Kävin eilen galleriakierroksella. Näin Helsingin Itäkeskuksen Stoan galleriassa Mika Vesalahden näyttelyn otsikolla Tutkielmia unesta. Sitten menin Erottajalle TM-galleriaan, jossa oli Sándor Vályn maalauksia ja tilateoksia. Siitä siirryin Jangva-galleriaan katsomaan Tommi Mäkelän maalauksia. Seuraavaksi kävelin Yrjönkatua pitkin poiketen Sinne-galleriaan, jossa oli Ella Tahkolahden tilateos ja pari videota. Lopun iltapäivästä vietin Amos Andersonin taidemuseossa.
Minulla on omat syyni, miksi halusin nähdä juuri nuo näyttelyt ja kävellä muiden jo näkemieni ohi. En kerro tässä valinnoistani, vaan nopeudesta.
Muutaman tunnin kuluessa olin nähnyt parisataa maalausta, valokuvia, veistoksia, installaatioita ja kolme lyhytelokuvaa, sekä sarjan Tommi Mäkelän animaatioita Amos Andersonilla. Tämä iltapäivä oli melko tavallinen katselukierros.
Tiedän, että jos mahdollista, parasta on jättää osa katselusta seuraavaan kertaan. Matkoilla saatan kävellä usein kaksitoista tuntia päivässä taidemuseoissa ja näyttelyissä, mutta se ei ole kovinkaan viisasta. Yleensä noin kuuden tunnin katselu-urakan jälkeen alkaa vastaanottokyky olla heikko. Olen viettänyt tällaista taiteen katseluelämää 1970-luvulta alkaen.
Esimerkiksi Amos Andersonilla esillä olevassa Vapaan Taidekoulun 75-vuotisnäyttelyssä saatoin siirtyä hetkessä Sigrid Schaumanin maalauksista tarkastelemaan vaikkapa Carolus Enckellin abstrakteja maalauksia.
Sain ajattelemisen aihetta taiteen pikaviestintään Guardianin Jonathan Jonesilta, jonka mielestä taiteen kiehtovuus johtuu ajasta. Hän toteaa blogissaan, että kuvataide on kaikista vakavasti otettavista kulttuurimuodoista nopein paljastamaan todellisen luonteensa katsojalle.
Päästäkseen selville, mistä elokuvassa on kyse täytyy sitä katsoa puolitoista tuntia tai enemmänkin. Romaanin lukeminen saattaa kestää päiväkausia, viikkoja tai jopa kuukausia riippuen siitä kuinka paljon aikaa lukijalla on käytettävänään. Näihin verrattuna kuvataide – jos ei ole kyse videotaiteesta – ei vie aikaa ollenkaan.
Esimerkiksi Rembrandtin tekemiä kuvia voi kyllä katsella ihmiselämän ajan ja silti löytää niistä syvyyttä. Mutta, Jones kysyy, jos tämä ei olekaan kaikkein tärkein asia suuressa taiteessa. Mitäpä jos merkitys onkin pikaviestinnässä? 
Ainakin Leonardo da Vinci oli sitä mieltä. Hän totesi muistikirjassaan mahtipontisesti, että maalaus on ylivoimaisempi kuin kirjoitus, koska voimakas tai kaunis maalaus voidaan ymmärtää välittömästi, kun taas runoa täytyy kuunnella iät ja ajat, ennen kuin sitä voi arvioida. Toisin sanoen Leonardon käsitys taiteesta on täysin verrattavissa oman aikamme kulttuuriin, sen välittömiin ja houkutteleviin kuviin.
Jonathan Jonesin mukaan videotaide on tuonut näyttelytilaan kertovan ajan. Hän arvelee, että perinteisesti aikaan perustuva taide on arvostetumpaa, koska se yksinkertaisesti vie enemmän aikaa katsojalta.   
Ajatus taiteen ymmärtämisen välittömyydestä sai minut käsittämään, miksi usein on niin vaikea tottua taidenäyttelyissä olevien videoiden katsomiseen. Olenhan tottunut itse määräämään paikkani ja katsomiseni keston liikkuessani taidenäyttelyssä. Jo pelkkä elokuvan katsomisen aloittaminen tuntuu kestävän ikuisuuksia.
Ja jos taidenäyttelyssä on useita videoita, joiden kesto tuntuu jatkuvan äärettömän kauan, ohitan nämä hämärät huoneet ja keskityn mieluummin taiteen pikaviestintään.

tiistai 18. tammikuuta 2011

Guggenheim Helsinki


Kun kerroin New Yorkissa taidekriitikko Kim Levinille tutkivani pohjoissuomalaisia taiteilijoita (Einari Junttilaa, Reidar Särestöniemeä ja Kalervo Palsaa), tulin käyttäneeksi sanaa ”outsider artists from Nothern Finland”. Kim tokaisi siihen perinewyorkilaisella deadpan huumorilla: ”Miksi et tutkisi samalla kaikkia suomalaisia taiteilijoita, hehän ovat kaikki outsidertaiteilijoita.”
Siitä on jo aikaa, ja luultavasti jo muutkin suomalaiset kuin Esko Männikkö tai The Kaurismaki Brothers tunnetaan Manhattanilla. Ainakin Guggenheim-säätiön pääjohtajan, Richard Armstrongin mielestä Suomella on valmius ottaa nykyistä suurempi rooli kansainvälisellä kulttuurikentällä.
Carol Vogel toteaa Guggenheim Helsinki suunnitelmaa koskevassa artikkelissaan  New York Timesissa, että vuonna 1997 avatusta Guggenheim Bilbaosta tuli eräänlainen malli taloudellisista ongelmista kamppaileville kaupungeille. Frank Gehryn suunnittelema wow-arkkitehtuuria edustava taidemuseo Bilbaossa osoittautui menestykseksi, jota alettiin ihailla kautta maailman.
Sen jälkeen Guggenheimia alettiin kosia: Berliini, Las Vegas, Guadalajara Meksikossa, Bukarest, Vilna, Hong Kong, Rio de Janeiro ja Taiwanin Taichung. Yhteistyötä on tehty muun muassa Pietarin Eremitaasin ja Wienin Kunsthistorisches Museumin kanssa. Projektit ovat syttyneet ja sammuneet, soveltuvuussuunnittelua – feasibility study – on tehty perusteellisesti ja useimmiten todettu ne vähin äänin ei-sopiviksi. Ilmeisesti amerikkalaiset ovat olleet tinkimättömiä, eikä taloudellisia riskejä ole haluttu ottaa.   
Uutisoinnista selvisi, että Helsingin kaupungin ja New Yorkin Guggenheim säätiön hahmoteltu yhteistyöhanke on varsin erilainen verrattuna useimpiin muihin. Helsinki on kansainvälisessä mittakaavassa kuitenkin pikkukaupunki ja verrattuna jo tehtyihin, mutta ei-toteutuneisiin soveltuvuustutkielmiin, ”feasibility studyihin”, sitä voi tuskin verrata Hong Kongin, Sao Paulon tai Taiwanin vastaaviin.
Hankkeen uutisoinnissa amerikkalainen osapuoli korosti sitä, että Helsingin soveltuvuustutkimuksessa on mahdollisuus lähteä puhtaalta listalta ilman suuria ennakkopaineita. Annettiin ymmärtää, että kyseessä lienee pikemminkin uudenlaisen museokonseptin kehittäminen. Tämäkin on arvokasta työtä, sillä jos suunnittelu on avointa, luovaa ja ennakkoluulotonta – mikä ei ainakaan suomalaisella museoalalla ole mitenkään itsestään selvää – siitä saattavat hyötyä kaikki. Paula Holmila kehottaa kolumnissaan pyyhkimään pois pölyt museoista, toivottavasti Guggenheim Helsinki saa juuri tällaista aikaiseksi.
Myös Suomen osapuolta vetävän johtaja Janne Gallen-Kallela-Sirénin kommentti  siitä, että hankkeesta tulisi ei-arkkitehtuurivetoinen on viisas ja kannatettava.
Itse esitän heti alkuun pari aloitetta Guggenheim Helsinki hankkeelle. Maailmantason museo vaatii kansainväistä lähialueiden yhteistyötä.
Ensiksi tulee mieleen Pietari, johon Suomella on vankat kulttuurihistorialliset siteet. Esimerkiksi Pietarin Venäläisen museon kanssa on ollut melkoisesti vaihtoa, muun muassa Espoon Emma-museossa ja Ateneumissa. Suomessa on aina oltu kiinnostuneita niin lännestä kuin idästäkin ja hyvät kulttuurisuhteet Venäjään on museon onnistumisen ehto.
Vain noin 18 prosenttia pietarilaisista on käynyt Suomessa ja kun viisumivapaus koittaa, sieltä päin suuntautuva matkailu tulee lisääntymään. Tämä pitää huomioida museohankkeessa.
Baltian mailla näyttää poliittisesta kitkasta huolimatta olevan sujuvaa kulttuuriyhteistyötä myös Venäjän kanssa, joten otettakoon ne huomioon Helsingin museosuunnitelmissa. Myös kuvataidesuhteet Tukholmaan, Kööpenhaminaan ja Osloon ovat perinteisesti olleet melko aktiivisia, joten luotakoon yhteistyöverkosto näihin kaupunkeihin.
Ennen kaikkea Helsinkiin vaaditaan nyt uutta henkistä asennetta ja ajattelutasoa. Kaupunki on kulttuurisesti rikas ja melko monipuolinen, mutta nyt on avauduttava siitä henkisestä pikkukaupunkilaisuudesta, joka täällä vallitsee.
Museon toimintaideana voisi olla jakaminen, jossa taiteelliset, museon ammatilliset ja rahalliset resurssit jaettaisiin eri osapuolten kesken. Näin voitaisiin päästä nykyaikana usein varsinkin taidemuseoihin liittyvästä itsekeskeisyydestä, sulkeutuneisuudesta ja oman edun tavoittelusta.
Ehkä Guggenheim Helsinki taidemuseo voisi olla laiva, jonka päätukikohta on Helsingissä, mutta joka kiertää Pietarissa, Tallinnassa, Riikassa ja Tukholmassa.

sunnuntai 16. tammikuuta 2011

Viimeisellä oksalla



Saara Ekströmin suurehkossa ja väljähkössä näyttelyssä Kiasmassa on monta aihetta ja lähtökohtaa. Tuntuu, kuin koko näyttely istuisi viimeisellä oksalla. 
Ekström käyttää syvää introspektiota eli itsetarkkailua videoteoksissaan No Body, tai miehen introspektion kuvitelmaa videoinstallaatiossa Man Before a Mirror.
Lintuhäkki-installaatiossa The Last Branch linnut sirkuttavat iloisesti ja teoksen teksteissä muistutetaan topeliaanisella hartaudella siitä, että linnut ovat henkilökunnan hyvässä hoidossa.
Valokuvissaan Ekström tutkii luonnon muotoja, kuten kukkia, kiteitä ja vihanneksia. Wikipedian artikkelin mukaan biomorfismi taiteessa kiinnittää huomion luonnon elämän voimaan käyttäen orgaanisia muotoja hahmottomien ja lievästi pallomaisten biologisten muotojen vihjeinä. Biomorfisuudella on yhteyksiä surrealismiin ja art nouveauhun.
Tate:n taidesanakirjan mukaan, vaikka biomorfiset muodot ovat  abstrakteja, ne kuitenkin “viittaavat tai kutsuvat esiin eläviä muotoja.” Artikkelissa mainitaan Joan Miró, Jean Arp, Henry Moore ja Barbara Hepworth esimerkkeinä taiteilijoista, jotka käyttävät biomorfista muotoa.
Nykyisin taiteen biomorfisuudessa tarkastellaan myös valmistettuja, suunniteltuja ja muotoiltuja esineitä, jotka näyttävät luonnon muodoilta, tai joiden vähäiset luontoa muistuttavat piirteet saattavat muistuttaa meille luonnosta. Jossakin Saara Ekströmin valokuvissa tarkastellaan juuri muotoiltuja esineistä biomorfisesta näkökulmasta tai kontrastina niille. Voisiko tällaista lähestymistapaa kutsua sitten kulturoformiseksi? 

Saara Ekström, Excess and Ascesis (sponge), 2010.

keskiviikko 29. joulukuuta 2010

Mihin menee design? 3/3 Avoin ja globaali kohtaa ongelmia



Nykyaikaisen, laajentuneen muotoilukäsityksen voi lukea Helsingin muotoilupääkaupunkihankkeen ohjelmassa: ”World Design Capital Helsinki 2012 -ohjelma koostuu tapahtumista ja teoista, jotka hyödyntävät designia laaja-alaisesti kulttuurisen, sosiaalisen ja taloudellisen kehityksen välineenä.”

World Design Capital saarnaa samoja periatteita kuin Facebookin, Wikipedian ja YouTuben luojat, avoimmuutta ja globaalia vastuuta designin uudessa roolissa. Tässä maailman muotoilupääkaupunki Helsingin periatteet:
1. Avoin kaupunki – paremman elämän edellytyksiä kaupunkilaisille
Haemme innostavia tapoja, joilla asukkaat osallistuvat ja vaikuttavat aktiivisesti elinympäristönsä kehittämiseen. Tähän liittyvät vaikkapa kaupunkiympäristö, yhteisöllisyys, kestävä kehitys ja asukkaiden tarpeisiin perustuva julkisten palveluiden uudistaminen.


2. Globaali vastuu – designin uusi rooli
Etsimme ratkaisuja, jotka edistävät elämisen laatua ja onnellisuutta. Toteutamme hankkeita joissa design ja muotoiluajattelu ovat uudessa roolissa muutoksen käynnistäjinä. Designpääkaupunkina etsimme myös yhteyksiä ihmisiin, organisaatioihin ja ratkaisuihin kaikkialla maailmassa.
3. Uuden kasvun juuret – Embedded Design
Etsimme uusia tapoja hyödyntää designia kasvun lähteenä kestävällä tavalla. Odotamme kasvua elinkeinoelämässä ja myös muilla tavoilla mitattuna hyvinvoinnin lisääntymisenä.
Designpääkaupunkivuoden perusajatuksena on ollut "Open Helsinki – Embedding Design in Life". Embedded Design laajentaa muotoilun sovellusalueen tavaroista palveluihin ja järjestelmiin. Se tuo muotoilun keinot sekä käyttäjän tarpeen alusta lähtien mukaan suunnitteluun.”
Periaatteessa kaikki muotoilijat ovat aina luoneet parempaa elämää ihmisille, tai ainakin yrittäneet luoda sitä. Sosiaalisen vastuun moraaliakin on saarnattu ensimmäisen teollisen kumouksen ja teollisen muotoilun alusta asti. Muotoilun piirissä on aina elätetty ainakin toivoa uuden kasvun itämisestä. 

Uutta on muotoilun ulottuminen prosesseihin, sisältöihin ja viestintään, sekä globaali vastuu, joista muotoilijat eivät ole aikaisemmin puhuneet. Myös asukkaiden osallistuminen on huomioitu World Design Capital Helsingin periaatteissa. Kokonaisuudessaan ne ovat erittäin ajankohtaisia ja osuvat nykyaikaisen muotoilukäsityksen ytimeen.
Peter Behrensin muotoilema sähköinen vedenkeitin vuodelta 1909. 
 
Facebook, Wikipedia tai YouTube ovat ehkä aikamme häikäisevimpiä muotoilutarinoita. Ne ovat muotoilleet internetin, mutta pystyykö uusi design pelastamaan myös sanomalehdet?

Sanomalehtien kustantajat vaikeroivat niiden sisällön ilmaisjakelun paineissa, eikä lehtien verkkoversioita juuri haluta muotoilla paremmiksi, koska ne yksinkertaisesti eivät tuota mitään. Vain muutama maailmanluokan sanomalehti, kuten The Guardian, The New York Times tai Frankfurter Allgemeine Zeitung FAZ pystyvät tuottamaan laadukkaita verkkojulkaisuja ja palveluita ilmaiseksi. Niitä lukemalla voi saada käsityksen siitä, mitä hyvin muotoiltu verkkoviestintä voi olla.

Sanomalehdet keräävät vieläkin noin 20 kertaa enemmän voittoa mainostuloilla kuin verkkosivustot. Justin McGuirk kysyy artikkelissaan The Guardianissa: ”Kuka muotoilisi keinon, jolla verkkosivu voisi kerätä yhtä paljon mainostuloja kuin sanomalehdet? Bannerimainoksilla? Forget it.”

Tosiasia on, että suurta osaa verkkosivua ei voi luovuttaa mainoksille, toisin kuin painettuja sivuja, koska olemme yksinkertaisesti verkkoviestinnän alusta asti olleet ehdollistettuja siihen, että kaikki on ilmaista. McGuirk toteaa: ”Se on designhaaste, jonka ongelman kaikki yrittävät ratkaista.”

The Guardian on verkossa olevista sanomalehdistä eräs maailman parhaita.


Avoimen viestinnän myötä myös kirjoittamisen tuotto on vähentynyt. Monet lehdet toimivat pelkän ilmaiskirjoittelun voimin tarjoten kirjoittajilleen puhdasta symbolista pääomaa. Kirjoittaja-avustajien asemaa sanomalehdissä on ahdistettu yli-isännöivillä avustaja- ja lisenssisopimuksilla. Kirjankustannusala on kriisissä. Arvelisin, että kaikki tämä laskee väistämättä kirjoittamisen tasoa.

Entä globaali vastuu? Muotoilun ja viestinnän kannalta globaali näkökulma ei ole niinkään ongelma, koska designin perinne, esineiden funktionalistinen suunnittelu ja muotoilu tähtäsi usein estetiikan ja ongelmien universaaleihin ratkaisuihin. Viestinnän painopiste on jo pitkään laajentunut lokaaliin eli paikalliseen. Alueellisuus ja paikallisuus eli regionalismi, jota modernismi usein ylenkatsoi ja halveksui, lienee eräs muotoilun tulevaisuuden haasteita.

Esimerkiksi elektronisten kirjojen lukulaitteiden ja kirjojen markkina on kasvanut suurilla kielialueilla, mutta Suomen kaltaiset pienet kieli- ja kulttuurimaat saavat vielä odottaa eBookin läpimurtoa. E-kirjan tekniikka ja muoto esineenä on jo ratkaistu melko pitkälle, mutta sen jakelu ja levitysprosessi kaipaa muotoilua.

Globaalin markkinatalouden vastuun nosti vastikään televisiossa esille tanskalainen toimittaja Frank Piaseki Poulsen ohjelmassa, joka käsitteli Nokian (ja muidenkin valmistajien) kännyköiden materiaalina käytetyn raaka-aineen tuotanto-ongelmia Afrikassa. Myös tämänkaltaisiin ongelmiin voisi uusi designkäsitys tuoda parannuksia prosessien ja palveluiden luovan ongelmanratkaisun avulla.

Maailma siis tarvitsee muotoilua, eikä uudella designilla ole mitään syytä ujostella maailmaa lähestyessään.

KULTTUURINAVIGAATTORI:

tiistai 28. joulukuuta 2010

Mihin menee design? 2/3 Muotoilijasta tulee überammatti


William Morris, omakuva 1856.

Ajatus muotoilun ja yhteiskuntasuunnittelun kytkemisestä yhteen on peräisin muotoilun historiasta. Sellainen teollisen muotoilun synty, jossa suunnittelijan taiteellisia kykyjä sovelletaan kulutustavaroiden suunnitteluun oli osa modernisaatiota ja teollista kumousta. Kumouksen seurauksena alettiin pohtia, mikä vastuu muotoilulla ja muotoilijoilla pitäisi olla maailman muutoksessa.

William Morrisin vastaus teollisen kumouksen paineisiin oli paluu ajassa taaksepäin, esimoderneihin tuotantoprosesseihin, käsityömäiseen muotoiluun. Morrisin ajatukset saivat paljon vastakaikua maailmalla, muun muassa Suomessa 1800-luvun lopulla, mutta suurella vaivalla tehdyistä tuotteista tuli kalliita, eikä Arts and Crafts eli taideteollisuusliike ollut enää kilpailukykyinen kiihtyvän teollistumisen saatossa tuotetuille kulutustavaroille. Muotoilijoiden mieliin jäi kuitenkin Morrisin ajatus tasa-arvosta: taide, sen enempää kuin koulutus tai vapaus ei saa olla vain harvojen etuoikeus.

Muotoilijan yhteiskunnallinen vastuu oli mukana Bauhaus-taidekoulun muotoiluaatteissa, jossa funktionalistisen suunnittelun periaatteena oli ottaa kantaa muotoilun ja muotoilijan moraaliseen vastuuseen ympäristön ja esineiden suunnittelussa. Tyypillinen esimerkki bauhauslaisesta yhteiskunnallisesta vastuunotosta on Dessaun pyöreäsivuinen työvoimatoimisto (1929) (kerron rakennuksesta enemmän artikkelissa Muistoja DDR:stä: Pyöreä talo ja historian ironia), josta sen suunnittelija WalterGropius kirjoitti seuraavan konseptin:
Teollisuuden pyrkimyksiä tuotannon rationalisoimiseksi seuraa se, että työmarkkinoilla on pysyvä työttömien määrä. Kiihdyttääkseen työvoiman vaihtoa, tarjontaa ja kysyntää, valtio on (ensimmäisen maailman)sodan jälkeen ryhtynyt itse työvoiman välittäjäksi. Kokeilut käytettyjen rakennusten käytöstä työvoimatoimistoina osoittutuivat pian riittämättömiksi. Täytyi luoda uusia perusteita tämäntyyppisten rakennusten luomiseksi.” 
 
Konsepti vastaa jossain määrin nykyaikaisen käyttäjäkeskeisen suunnittelun periaatteita. Gropiuksen suunnittelema rakennus oli jaettu sektoreihin, joka jonka lohkot vastasivat eri ammattialoja. Työtön työläinen saattoi mennä sisään ammattialansa ovesta, joka sijaitsi rakennuksen ulkosivulla ja käydä läpi sektoreilla olevat erilaiset byrokratiat ja kävellä ulos rakennuksen keskellä olevasta käytävästä työttömyyskorvaus kädessään.

Ehkä Bauhausista lähtöisin olevaa designia vihattiin siksi, että muotoilijat ja arkkitehdit yrittivät ottaa vastuuta sellaisilta aloilta, sosiaalisesta ja yhteiskunnallisesta suunnittelusta, jota Saksan Kolmannen valtakunnan isännöimä natsipuolue varjeli omana toimialueenaan. Myös Stalinin Neuvostoliitossa lupaavasti alkanut teollinen ja konstruktiivinen muotoilu koettiin vaaralliseksi, koska se astui kommunistipuolueen isännöimän yhteiskuntasuunnittelun varpaille. Vastaava kehitys nähtiin Suomessa, jossa Taideteollisen korkeakoulun piirissä toimivat yhteiskunnallisesti suuntautuvat opettajat ja koulutus haluttiin syrjäyttää 1970 luvun lopulla.

Teräsputkituoli, joka suunniteltiin Neuvostoliitossa 1927 Tatlinin ateljeessa Vkhuteinissa.

Ajatus laajentuneesta muotoilusta on tullut ajankohtaiseksi sosiaalisten verkostojen ja kaikkialle ulottuvan viestinnän aikana. Nykyisin työttömän työnhakijan tarpeisiin suunniteltu työvoima- tai Kelan toimisto tuntuu kaukaiselta. Ero funktionalismin yhteiskunnallisen vastuun ja uuden laajentuneen muotoilukäsityksen välillä on se, että funktionalismi muotoili esineitä, rakennuksia ja ympäristöjä, mutta uusi design muotoilee myös ei-materiaalisia asioita, kuten prosesseja ja palveluita.

Muotoilun suuntautumisessa myös ei-esineellisiin asioihin ei ole mitään kummallista. Pikemminkin olisi kummallista, jos design koskisi vain valmistettavien tuotteiden, esineiden suunnittelua maassa, jonka kansantuotteesta lähes 70 prosenttia koostuu palveluista. Design on aina hakeutunut vastaamaan aikansa tuotannon tapaa. Palvelumuotoilun tarkoituksena on kehittää palveluita ja saada niitä tehokkaammiksi. Ulkoistamisen ja yksityistämisen on arveltu tuovan mukanaan tehokkuutta, mutta sitä ei saada aikaa ilman palveluprosessien ja käyttäjäkokemusten analyysiä muotoilun avulla.

New Yorkin MoMAn design -osaston kuraattori Paola Antonelli ennusti vastikään haastattelussaan The Economist-lehdessä,  että tulevaisuudessa muotoilijat tulevat liittymään kaikkeen, tieteestä politiikkaan. Hän näkee designin taitojen sarjana, joka ylittää kaikki rajat, überammattina. Hän sanoo: ”Tämä johtuu hyvin yksinertaisesta syystä: eräs designin perustavoitteista on auttaa ihmisiä tuleemaan toimeen muutoksen kanssa.”

Antonelli sanoo, että muotoilijat ovat aina kumousten ja arkipäivän elämän välissä. Kun internet tapahtui, he loivat painonapeilla varustettuja käyttöliittymiä ja hyperlinkkejä, jotka mahdollistivat sen käytön kaikille. Muotoilijat saavat häiritsevät innovaatiot hallittaviksi ja lähestyttäviksi, jotta niihin voidaan tarttua ja sulauttaa ne elämään, eivätkä he unohda funktionaalisuutta ja eleganssia.

Tulevaisuuden muotoilijat eivät enää jaukaudu pelkistävään erikoisosaamiseensa (graafinen-, tuote- ja huonekalusuunnittelu ovat niin 1900-lukua!). Päin vastoin, kuten fysiikka, design tulee jakautaumaan väljästi teoreettiseen ja sovellettuun.

Teoreettiset muotoilijat tulevat olemaan hienostuneita yleispätevyydessään – hieman samoi kuin ranskalaiset filosofit, mutta valmiita myös käärimään hihansa ylös. Soveltavat muotoilijat tulevat visualisoimaan monimutkaisia infrastruktuureja ja järjestelmiä, jotta tiedemiehet, poliitikot ja yleisö voivat hallita ja vaikuttaa niihin: he tulevat tuomaan taloudellisuutta ja yleistajuisuutta kulutustavaroihin.

Antonellin mukaan design ottaa vallan vuoteen 2036 mennessä.

KULTTUURINAVIGAATTORI:
Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...